Cartel anunciador de la XV Bienal de Flamenco de Sevilla (Sept. 2008)
Ruven Afanador es el fotográfo colombiano con más éxito y reconocimiento internacional. Nacido en Bogotá, Colombia, Ruven tiene su estudio en la ciudad de Nueva York donde trabaja como fotógrafo de moda.
Autorretrato de Ruven Afanador
Ha realizado trabajos para las revistas Vanity Fair, Vogue, Elle y Marie Claire, entre otras. Además ha publicado varios libros de fotografía como Torero y Sombra. La fotografía de Ruven Afanador es misteriosa y muy conceptual. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerias de Nueva York y Colombia como FotoMuseo y Throckmolton Fine Art Inc.
Un grupo de investigación de la Universidad de Sevilla estudia dos estelas tartésicas descubiertas en Almadén de la Plata (Sevilla). Una de estas estelas (losas), la mejor conservada, es una rica fuente de información para encontrar claves sobre los mitos fundacionales de las religiones indoeuropeas. En estos sistemas de creencias las parejas de personajes desempeñan la función civilizadora de su pueblo. Es el caso de Rómulo y Remo en Roma o de Gárgoris y Habis en Tartessos. La estela presenta dos personajes antropomorfos de proporciones casi idénticas. Los dos personajes tienen un alto grado de geometrismo y abstracción. Una de las figuras representa a un guerrero con su espada, escudo y casco con cuernos. La otra figura tiene como atributo único una diadema, que puede representar un ornamento de prestigio utilizado por mujeres o incluso una aureola, lo que daría al personaje un simbolismo sobrenatural. Las dos estelas datan de un periodo comprendido entre la Edad del Bronce Final y la Primera Edad del Hierro (1300-550 a. de C.). Tras su hallazgo, las estelas fueron depositadas en el Museo Arqueológico Provincial de Sevilla en 2005. “De las 120 estelas de guerrero tartésicas que se conocen, la de Almadén de la Plata es la única que presenta ese tipo de composición”, ha afirmado Leonardo García Sanjuán, responsable del grupo de investigación. “Al hablar de Tartessos nos referimos a la cultura del suroeste de la península Ibérica que resulta de la interacción de los habitantes locales con los fenicios y los griegos. El contacto se produjo hacia el año 850 a. de C. No se puede discernir si las estelas corresponden al periodo pretartésico (1350-850 a. de C.) o al tartésico (850-550 a. de C.). No sabemos cómo era la sociedad pretartésica. Estas estelas son el único registro plástico-gráfico tangible para realizar especulaciones sobre la sociedad indígena, autóctona, antes de la llegada de los fenicios”, dice.
“Las estelas de guerrero representan un personaje guerrero central con una espada, escudo y casco con cuernos. A veces, se representan también con personajes inferiores”, agrega. La estela hallada en Almadén de la Plata es excepcional al contar con dos figuras distintas de tamaño equivalente. García Sanjuán señala que “la estela puede dar claves sobre mitos fundacionales de Tartessos”. “Existe una tradición de ámbito europeo de los dioses gemelos. Hay una tradición muy extendida de parejas de hermanos -o de padre e hijo- que tienen una función mítica como fundadores o civilizadores de una comunidad. Esta noción nos remite a la estela”, recalca García Sanjuán. La cosa que lleva la figura en la cabeza puede no ser una diadema que sujeta el pelo, sino un símbolo regio, como una corona. O incluso, un motivo solar. La tradición europea desde el Neolítico señala que el culto principal se dirige al sol. De esta forma, cabe la posibilidad de que la estela muestre una dualidad de personajes: uno represente el poder religioso (figura con diadema) y otro el militar (guerrero).
Cibeles 2008. En septiembre, Madrid presenta una nueva edición de nuestra pasarela más internacional. Cada día, durante una semana, se vive una intensa jornada en la que se presentan más de diez colecciones de diseñadores consagrados. Es el Cibeles Madrid Fashion Week. En el turno de la cordobesa Juana Martín, el color blanco y la rafia como tejido definen la colección, de renovadas sensaciones sobre un fondo de los años setenta, con vestidos minis y líneas rectas y depuradas. Juana Martín ha deshilachado la rafia y la ha llevado a todas las prendas, incluido el bañador. Al acabar su pase, quince vestidos negros largos, muy trabajados, con volantes y volúmenes (drapeados y plumas inclusive) visten la pasarela para la noche más andaluza.
Vanessa Beecroft realizó su primera exposición en Milán, allá por 1993. Nacida en Génova (Italia), en 1963, ha revolucionado el mundo del arte y del diseño.
Vanessa Beecroft “pinta” retratos individuales y de grupo en tres dimensiones con chicas y mujeres. Ocupan una determinada sala durante un determinado tiempo, la artista las viste, normalmente con poca ropa, a menudo llevan peluca y nunca tienen contacto con los espectadores. El resultado de esto es una atmósfera fría, extraña e inquietante que hace que el espectador se sienta fuera de lugar, como las propias modelos que parecen simplemente estar esperando algo.
“Me interesa la interrelación entre el hecho de que las modelos sean mujeres de carne y hueso y funcionen como obras de arte o imágenes”
El hablar de Santiago Rusiñol es hablar de la belleza del Arte, es hablar de Modernismo, es hablar del Cau Ferrat, es hablar de Els Quatre Gats, es hablar de Pintura, Literatura, Teatro y Humor, es hablar de su amigo Ramón Casas; es tener en mente su máxima: “El arte por el arte”.
Rusiñol era arrogante, irónico, con una fuerte personalidad que, a veces, no era del agrado de todos.
Fue una oveja negra, pertenecía a una tradicional familia catalana, que siempre luchó contra esos sectores conservadores, pequeño burgueses, que eran su raíz.
Ramon Casas, con un background muy similar al suyo, fue su compañero de viajes por esa Catalunya de finales de siglo XIX, recorrían los parajes pintando todo lo que veían sus ojos, ahí nace, también, el Rusiñol escritor.
Sus escritos son más incendiarios que sus pinturas, creo que el hecho de estar amparado bajo un seudónimo le quitó timidez a su postura radical.
Este viaje emprendido creó anécdotas, que hoy no sabemos muy bien si son parte del imaginario popular catalán o fueron realidad. Una de estas narra la vez que trataron de vender “duros” (moneda de cinco pesetas) a cuatro pesetas, ante la atónita y desconfiada mirada de los presentes; para que decir que no lograron vender ni uno, los catalanes son desconfiados cuando de dinero se trata…
Viendo su Obra, desde el inicio, se nota una paleta con muy poco color, en tonos ocres. Tras su llegada a Sitges y el comienzo de su temática paisajista vemos como entra el color de una forma intempestiva, rompiendo con su pasado. Otro detalle para acotar es la utilización de una perspectiva formal, con puntos de fuga claros y precisos que corren generalmente de izquierda a derecha, desde arriba hacia abajo. Otro elemento que usó para crear una profundidad precisa son las diagonales trazadas desde las esquinas de la imagen que brindan fuerza para hacernos “entrar” en su Obra.
En 1888 abandonó su familia, esposa e hija para “escapar” a París, junto al escultor Enrique Clarasó, ahí convive con Ignacio Zuloaga, Miguel Utrillo y Ramón Casas.
Se sumerge en los terrenos del Impresionismo y Simbolismo, es ahí donde enfrenta el Clasicismo imperante en su tierra natal y aflora su postura Modernista, con una visión Naturalista intimista hecha a partir del encantamiento de un París cosmopolita y tolerante.
Es en París donde el artista se hace adicto a la morfina, se dice que producto de una caída, y es en Sitges donde se recuperará junto a su esposa. Transforma su casa de veraneo en un centro de arte total, Cau Ferrat.
Dependiendo el uso la palabra catalana “Cau” puede significar desde madriguera hasta cuchitril, en un ámbito familiar se traduce como cuarto, “Ferrat” se traduce como herrado. Por tanto Cau Ferrat viene a ser algo así como: “Cuarto adornado con hierro”.
Ese es, de hecho, el origen del nombre de esa casa comprada por Rusiñol en 1891, en Sitges, un lugar donde guardar su colección de piezas de hierro forjado, como candelabros, cerrojos, llaves y otros ornamentos que el artista coleccionó.
A ese “Templo del Arte” Rusiñol trasladó la colección de pinturas hechas por sus amigos, antes mencionados, así como Obras de El Greco, Picasso, Pitchot, Regoyos y las suyas mismas.
Vuelve a París, esta vez de la mano con Ramón Casas, y establecen su residencia cerca del “Moulin de la Gallete”, donde llega otro conocido Miguel Utrillo.
A su regreso a Catalunya, en 1892, Ramón Casas sigue su camino con sus desnudos, y Rusiñol se centra en el tema final de toda su Obra, los Paisajes. Recorre el sur de España, pintando estos paisajes que deben ser una bella forma de olvidarse de la morfina y su submundo.
El Novecentismo, que en catalan Eugenio D´Ors llama Noucentisme, margina a Rusiñol totalmente. El “Noucentisme” quiere ser la respuesta al “Modernismo”, quieren ser ellos los que eleven la cultura catalana a nivel europeo. El siglo XX olvida a Rusiñol desde sus inicios, lo olvida de una forma brutal, tratándolo como figura de renombre, premiando su obra y vida, renombrando calles en su honor, en definitiva tratándolo como el “Sumo Pontífice” del Modernismo, pero a su vez despreciando el Modernismo por encontrarlo pasado de moda.
Rusiñol vive 31 años en este siglo XX que lo elogia y margina todo al mismo tiempo. Se dedica a escribir novelas, poesía y teatro, pero su pintura no volverá a ser lo que fue en esa “Belle Époque”.
Muere pintando uno de sus Jardines preferidos, el de Aranjuez en Madrid. Curiosamente Madrid fue una ciudad que le dio la espalda por muchas décadas, sólo hace poco Rusiñol es reconocido como pintor. Las envidias y las ganas de “proteger” a sus propios artistas crean estas acciones injustas y desmerecedoras.
El grupo El Corte Inglés obtuvo un beneficio neto de 747,6 millones de euros en el ejercicio 2007, que concluyó el pasado 29 de febrero, lo que supone un 5,1% más que el año anterior. La inversión se situó en 1.638 millones, según las cuentas aprobadas en la Junta General de Accionistas (sep. 2008). La cifra de negocio consolidado aumentó un 4,7%, hasta alcanzar los 17.898 millones; el cash-flow (beneficio más amortizaciones) se incrementó un 5,3%, hasta los 1.298 millones; y los fondos propios ascendieron a 7.801 millones de euros. La Junta General también aprobó una ampliación de capital de 13,52 millones, con lo que sumará 486,86 millones.
El mayor volumen de negocio correspondió a los grandes almacenes, cuyas ventas se situaron en 10.135 millones, cifra que supera en un 4,6% a la del año anterior. El resto de las líneas de negocio también registraron incrementos en las ventas, a excepción del retroceso del 2,4% de Hipercor.
Nuevos centros y nueva sede en Milán (Italia)
El presidente, Isidoro Alvarez, ha destacado la política de expansión con la apertura de cinco nuevos centros comerciales en 2007 (dos más en lo que va de 2008) y la próxima construcción de otros siete. Entre estos, se encuentra la ampliación del centro de Castellana (Madrid) que se convertirá en emblema del grupo y en el gran almacén más importante de Europa. El centro se ubicará en el solar que dejó libre el antiguo edificio Windsor, destruido por un incendio en 2005. Sin embargo, el paso más importante dado por el grupo en estos últimos años aún está por llegar. Se trata del desembarco del grupo en Milán (Italia), donde se desarrolla un proyecto ideado por Renzo Piano. Este puede ser el comienzo de una expansión exterior que se había limitado a Portugal (un centro en Lisboa, otro en Oporto y uno en marcha en Cascais).
109.000 empleos
Otro de los aspectos destacados ha sido la creación de puestos de trabajo, 4.800 nuevos en 2007, que han supuesto que la plantilla se eleve ya a 109.800 personas. Además, todos los formatos del grupo crecieron y este año se han abierto tres hipermercados Hipercor, 15 tiendas Sfera, 12 establecimientos de Telecor, 18 tiendas Opencor, cinco centros de Optica 2000, 33 delegaciones de Viajes El Corte Inglés, 8 supermercados Supercor y un segundo Bricor.
Con más de 100 años a sus espaldas, Vanity Fair es un referente universal de la prensa. Ahora, desde septiembre de 2008 podemos disfrutarlo en español. Vanity Fair era una revista minoritaria desde su creación a principios del siglo XX hasta que los Newhouse la compraron en 1983. Su verdadero despegue se produjo al nombrar a Tina Brown directora de la publicación, en la que permaneció hasta 1992 para dirigir New Yorker, otra publicación legendaria de Condé Nast. Brown convenció a los principales actores y actrices para que se dejaran retratar por fotógrafos como Annie Leibovitz y contrató a los mejores escritores. Rompió moldes al publicar en una portada la imagen desnuda de la actriz Demi Moore embarazada en 1991. El tono rupturista, siempre dentro de una exquisita edición, lo ha mantenido su sucesor, el canadiense Craydon Carter, que tiene en su haber dos grandes exclusivas: la publicación en 1996 por la periodista Marie Brenner de un informe sobre los aditivos que las tabaqueras introducían en los cigarrillos para generar adicción al tabaco y la revelación en mayo de 2005 de la identidad de W. Mark Felt como la garganta profunda que transmitió a los periodistas del Washington Post todos los detalles del caso Watergate que provocaron la dimisión del presidente Nixon en 1974.
Los directivos de la editorial Condé Nast en España tienen casi un año por delante y 12 millones de presupuesto para el lanzamiento de la revista. Será la novena publicación que la familia Newhouse edite en España, donde comenzó su andadura en 1988. Después de varios años consecutivos con pérdidas la compañía inició en 1999 la senda de los beneficios que espera consolidar con este nuevo mensual. En el mundo hay pocos editores capaces de invertir más de 12 millones de euros (por encima de los 2.000 millones de pesetas) en el lanzamiento de una revista para un público genérico de 40 millones de habitantes. Uno de ellos es Advance Publications de los hermanos judíos Samuel Irving y Donald Newhouse, los más exquisitos del mundo editorial, a quien comparan con los Sulzberger, editores del New York Times. Invirtieron 18 millones de euros (3.000 millones de pesetas) en promocionar Glamour y ahora le toca el turno a Vanity Fair.
Julio Romero de Torres (Córdoba, 9 noviembre 1874 – † 10 mayo 1930), pintor simbolista español, fue hijo de Rafael Romero Barros, pintor y director del Museo Provincial de Bellas Artes de Córdoba. Comenzó su aprendizaje en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a los 10 años. Vivió intensamente la vida cultural de finales del siglo XIX y conoció de cerca todos los movimientos artísticos de esa época. En 1890 pinta la que sería su primera obra conocida, La huerta de los Morales. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba. En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos. En 1907 concurrió ya con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa gitana. También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Munich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las Exposiciones Nacionales.
En 1916 consigue la Cátedra de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc. Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina con Ramón del Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929. A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro, realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita piconera. El 10 de mayo de 1930 moría Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras hasta la aristocracia, dejaron patente la inmensa popularidad de que gozaba este pintor ya universal.
-OBRAS MÁS IMPORTANTES-
El grueso de su obra se encuentra en Córdoba en el Museo Julio Romero de Torres, donde se puede admirar el amplio repertorio de cuadros que fueron donados por su familia, por coleccionistas privados o comprados por el Ayuntamiento. Entre las obras más destacadas de este maestro figuran Amor místico y amor profano, El Poema de Córdoba, Marta y María, La saeta, Cante hondo, La consagración de la copla, Carmen, y por supuesto, La chiquita piconera. En 1907 concurrió ya con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo en la Nacional, en Madrid, una primera medalla con su cuadro Musa gitana. Análogo galardón recibió en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Munich. Se ha dicho de él que fue el pintor del alma de Andalucía. Supo plasmar, evidentemente, en sus lienzos una realidad humana de manera predilecta a través de la figura femenina, bien enraizada en la tradición secular de su raza. Cada uno de sus cuadros es como una copla popular o como un requiebro que traduce, con un romanticismo literario acaso excesivo, el ambiente de leyenda y los sentimientos trágicos o sentimentales de una Córdoba idealizada.
Entre las más destacadas de este maestro figuran Amor místico y amor profano, El Poema de Córdoba, Marta y María, La saeta, Cante hondo. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron patentizada la inmensa popularidad de que disfrutaba.
Romero de Torres (JRT) pertenece a una generación colosal de la pintura española: Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana, Anglada-Camarasa, Santiago Rusiñol, Darío de Regoyos, Isidre Nonell, Francisco Iturrino, Juan de Echevarría, Eduardo Chicharro, Nicanor Piñole, Valentín y Ramón Zubiaurre, Daniel Vázquez Díaz, Joaquín Sunyer, Julio González, Joaquín Torres-García.
OBRA EN CÓRDOBA
‘Amalia’, ‘Mary Luz’, ‘Eva’, ‘Nieves’, ‘Angeles’, ‘La Niña de la Jarra’, ‘La Muerte de Santa Inés’, ‘La Contrariedad’ y ‘Bendición’, son siete cuadros recientemente restaurados. Así pues, Córdoba, que ha mostrado un especial interés por el Museo Julio Romero de Torres, ha restaurado en los últimos años todo el mobiliario procedente del estudio que el pintor tenía en Madrid, enseres que le acompañaron a lo largo de toda la vida y diversos cuadros”. Según Rodríguez, “los cuadros del Museo Romero de Torres estaban en pésimas condiciones, puesto que tras la muerte de Julio Romero de Torres en 1930, sufrieron durante 70 años los repintes y barnices de baja calidad que les dio su hijo, Rafael Romero de Torres, que habían oscurecido las obras hasta extremos de cuadros totalmente ennegrecidos”. Para paliar esta situación, recordó que “durante los últimos cinco años el Ayuntamiento ha recuperado para el patrimonio de Córdoba un total de 28 lienzos del Museo Julio Romero, a los que hay que sumarle estos nueve, lo que hacen un total de 37 obras, más el cuadro del padre de Julio Romero de Torres, titulado ‘Mendigos’, de Rafael Romero Barros, adquirido el pasado año para enriquecer el patrimonio del Museo”. De este modo, añadió que “queda pendiente todavía la limpieza, consolidación y restauración de 50 lienzos, que se llevarán a cabo en los próximos cuatro años”.
sus мєנσяєs obras
Gitana (1929) Nº 33
INFLUENCIAS DE ROMERO DE TORRES En sus años triunfales, Julio Romero de Torres era asediado por las mujeres con el mismo entusiasmo con que hoy persiguen a cualquier figura destacada de la canción o de la pantalla.Y además, es posible que produjera un cierto morbo ya que sus exposiciones estaban llenas de lienzos con mujeres desnudas y retratos femeninos.Su carácter sociable le facilita conocer, durante su estancia en Madrid, a los más insignes y destacados personajes de la época. Asiste a tertulias con Ortega y Gasset, Jacinto Benavente, Manuel y Antonio Machado, Pérez de Ayala y los hermanos Álvarez Quintero.
Antonia Obispo, modelo de JRT
Conoce a Joaquín Costa, y entabla estrecha amistad con Ramón del Valle Inclán. Participa en la tertulia nocturna del Café Nuevo Levante, a la que asisten artistas e intelectuales de la talla de los hermanos Baroja, Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana, Rafael de Penagos. A los 56 años, en 1930, en su máximo apogeo, muere en su casa de la Plaza del Potro, en Córdoba. En señal de luto cierran comercios y tabernas. Su féretro se expone en el Museo Provincial y en el cortejo fúnebre son obreros cordobeses los que le llevan a hombros hasta su última morada en el cementerio de San Rafael. El terreno de la tumba le es cedido a perpetuidad por el Ayuntamiento de su Córdoba natal, donde posteriormente se erige un monumento.
Historia de un museo
Tras la muerte de Julio Romero de Torres, el 10 de mayo de 1930, Francisca Pellicer viudad del pintor, y sus hijos, Rafael, Amalia y María, decidieron la creación de un museo dedicado a la memoria del artista cordobés legándolo a la ciudad de Córdoba. De esta manera, el 23 de noviembre de 1931 se crea el museo siendo inaugurado por parte del presidente de la república, Niceto Alcalá Zamora. En el año 1934, se compra la casa conlindante, siendo inaugurado el actual museo en el 24 de mayo de 1936. La última remodelación data del año 1992, para la instalación de sistemas de iluminación y seguridad, así como para la renovación de parte de las estructuras del museo. La Orden de 7 de julio de 1997 se acuerda la inscripción de este museo en el Registro de Museos de Andalucía. (BOJA 91 de 7 de agosto de 1997). La Resolución de 25 de febrero de 1998, de la Dirección General de Instituciones del Patrimonio Histórico, hace pública la relación de los museos inscritos y anotados preventivamente en el Registro de Museos de Andalucía entre los que se encuentra éste. (BOJA 38 de 4 de abril de 1998). Con la Resolución de 19 de diciembre de 2001 se le concede una subvención de 1.200.000 ptas. (7.212,15 € ). (BOJA 20 de 16 de febrero de 2002).
1 * Alegrías
2 * Amor místico
3 * Ángeles
4 * Ángeles y Fuensanta
5 * Arcángel San Rafael
6 * Bendición
7 * Boceto de Ysolina Gallego
8 * Cabeza de santa
9 * Cabeza de vieja
10 * Cabeza empezada
11 * Cabeza sin terminar
12 * Camino de bodas
13 * Cante hondo
14 * Carmen
15 * Cartel corrida benéfica de toros
16 * Cecilia Roballo
17 * Concepción Magacén
18 * Concepción Ruiz Frías
19 * Conchita Triana
20 * Contrariedad
21 * Córdoba 1912
22 * Córdoba 1916
23 * Diana
24 * El cohete
25 * El pecado
26 * En la ribera
27 * Encendiendo la mecha
28 * Escritor Cristóbal de Castro
29 * Eva
30 * Flor de Santidad
31 * Fragmento de un retrato
32 * Fuensanta 33 * Gitana 34 * Horacio de Castro Carboné
35 * Horas de angustia
36 * Isabel Llopis de Luque
37 * La Argentinita
38 * La chiquita buena
39 * La chiquita piconera
40 * La Condesa de Colomera
41 * La copla
42 * La escopeta de caza
43 * La gracia
44 * La muerte de Santa Inés
45 * La nieta de Trini
46 * La niña de la jarra
47 * La niña de la rosa
48 * La niña del candil
49 * La sibila de las Alpujarras
50 * La Virgen de los faroles
51 * Magdalena
52 * Manuel Ruiz Maya
53 * Margarita Nelken
54 * María de la O
55 * María Pilar
56 * Marta
57 * Mary Luz
58 * Ministro Barroso y Castillo
59 * Mira qué bonita era!
60 * Monjita
61 * Mujer de Córdoba
62 * Mujer de la pistola
63 * Naranjas y limones
64 * Nieves
65 * Nocturno
66 * Nuestra Señora de Andalucía
67 * Ofrenda al arte del toreo
68 * Poema de Córdoba
69 * Poeta Joaquín Alcaide Zafra
70 * Rafaela
71 * Retrato de Amalia Romero de Torres
72 * Retrato de don Jose Antonio Gómez
73 * Retrato de joven
74 * Retrato de María Aguilar
75 * Retrato de Ysolina Gallego
76 * Rosarillo
77 * Salomé
78 * Salud
79 * Samaritana
80 * Tte. General Diego Muñoz Cobos y Serrano.
81 * Viva el pelo
Presentación de un vídeo de obras del pintor Julio Romero de Torres (www.miscuadros.net)
Escrito por Emilio Luque 
Escrito por Emilio Luque 
Escrito por Emilio Luque 
Show, 1998 © Vanessa Beecroft
Performance "VB35" at Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Wardrobe: Gucci
Photo: Mario Sorrenti
Courtesy Deitch, New York
Polla sisters, 2001 © Vanessa Beecroft
Performance "Special Project". Centre d´Art Contemporain, Génèva
Wardrobe: Alessandro Dell'Acqua
Photo: Dusan Reljin
Courtesy Deitch, New York
