1833, la niña Isabel

María Cristina de Borbón, viuda Regente del reino a la muerte de Fernando VII en 1833, tuvo que gobernar un país fuertemente dividido.   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Martínez de la Rosa (artífice del estatuto real de 1834) 

 

Juan Álvarez de Mendizábal (responsable de la desamortización)

 

 

El general Baldomero Espartero, progresista

 

. 

 

La reina Isabel II

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Su esposo, Rey consorte, Francisco de Asís.

 

 

El general Narváez, moderado.

 

 

 

Pascual Madoz, el de la desamortización de las tierras municipales

 

 

 

 El general Leopoldo O’Donnell, el líder de la Unión Liberal.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El general catalán, Juan Prim (el nuevo líder de los progresitas)

 

Modigliani

Paul Guillaume, Novo Pilota – 1915
Huile sur carton collé sur contre-plaqué parqueté
Musée de l’Orangerie, Paris

Femme au ruban de velours – vers 1915
Huile sur papier collé sur carton
Musée de l’Orangerie, Paris

The red girl (Head of a woman with red hair) – 1915
Oil on canvas
GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Turin

Portrait of a young woman, seated – circa 1915
Oil on card
75.0 x 52.4 cm
Fitzwilliam Museum at the University of Cambridge, UK

Portrait of Chaim Soutine – 1915
Oil on panel
36 x 27.5 cm
Staatsgalerie, Stuttgart, Germany

Portrait of Juan Gris – 1915
Oil on canvas
55.5 x 38 cm
The Metropolitan Museum of Art, New York

Portrait of Beatrice Hastings – 1916
Oil on canvas
Barnes Foundation, Merion, PA

Female nude – Circa 1916
Oil on canvas
92.4 cm x 59.8 cm (canvas)
Courtauld Institute of Art, London, UK

Portrait of Max Jacob – 1916
Oil on canvas
73 x 60 cm
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

Madame Kisling – c. 1917
Oil on canvas
46.2 x 33.2 cm (18 1/4 x 13 1/8 in.)
National Gallery of Art, Washington D.C.

Anna Zborowska – 1917
Oil on canvas
51 1/4 x 32″ (130.2 x 81.3 cm)
Museum of Modern Art, New York City

Nu couché de dos (Reclining Nude from the Back) – 1917
Oil on canvas
64.5 x 99.5 cm (25 3/8 x 39 1/8 in)
Barnes Foundation, Merion, PA

Nude (Nu) – 1917
Oil on canvas
28 3/4 x 45 7/8 inches
Guggenheim Museum, New York

Nude with Coral Necklace – 1917
Oil on canvas
26 3/16 x 39 13/16 in. (66.5 x 101.1 cm)
Allen Art Museum at Oberlin College, Ohio

The Little Peasant – circa 1918
Oil on canvas
1000 x 645 mm
Tate Gallery, London

Young Redhead in an Evening Dress – 1918
Oil on canvas
Barnes Foundation, Merion, PA

Portrait of the Artist’s Wife, Jeanne Hebuterne – 1918
Oil on canvas
39-3/4 x 25-7/8 in. (101 x 65.7 cm)
Norton Simon Museum, Pasadena, California

Portrait of Leopold Survage – 1918
Oil on canvas
61,5×46 cm
Finnish National Gallery, Helsinki, Finland

Marie (Marie, fille du peuple; La Petite Marie) – 1918
Oil on canvas
62 x 50.5 cm
Kunstmuseum Basel, Switzerland

Madame Zborowska – 1918
Oil on canvas
645 x 460 mm
Tate Gallery, London

Jeanne Hébuterne with Yellow Sweater (Le Sweater jaune) – 1918–19
Oil on canvas
39 3/8 x 25 1/2 inches
Guggenheim Museum, New York

Portrait of Leopold Zborowski – 1919
Oil on canvas
Barnes Foundation, Merion, PA

Elvira Resting at a Table – 1919
Oil on canvas
36 1/2 x 23 13/16 in. (92.7 x 60.5 cm)
Saint Louis Art Museum, Missouri

Self-Portrait – 1919
Oil on canvas
100 x 64.5 cm
Museu de Arte Contemporanea da Universidade, São Paulo, Brazil

Rimski-Korsakov

Nikolái Andréyevich Rimski-Kórsakov nació en Tijvin (Nóvgorod) en 1844 en el seno de una familia aristocrática y de marinos y militares. Rimski-Kórsakov demostró su talento artístico desde una edad muy temprana (seis años). Estudió en la Escuela Naval de Cadetes de San Petersburgo y posteriormente se alistó a la marina. En 1861 conoció a Balákirev y comenzó a concentrarse más seriamente en la música. Más adelante conoció a otros compositores, como Cesar Cui, Borodín, Músorgski, que más tarde serían conocidos como el Grupo de los Cinco. Mientras se encontraba en la marina, compuso una sinfonía, la primera compuesta por un ruso. También compuso su bien conocida obra orquestal Sadkó en 1867 y la ópera La Dama de Pskov (Pskovitýanka) en 1872, antes de renunciar a su cargo militar en 1873 (29 años). Rimski-Kórsakov y otros miembros del “Grupo de los Cinco” frecuentemente colaboraron o editaron composiciones de otros autores. En particular después de la muerte de Modest Músorgski en 1881, Rimski-Kórsakov se tomó el trabajo de revisar muchas obras de Músorgski para publicarlas y ejecutarlas. Por ejemplo, la obra La noche en el Monte Calvo de Músorgski fue arreglada por Rimski-Kórsakov y es la que actualmente se escucha. Sin embargo, la opinión crítica respecto de Músorgski con el transcurso del tiempo ha cambiado en referencia a su estilo, considerado en algún momento como agreste, sin embargo se ha revalorizado su originalidad. Esto motivó a Rimski-Kórsakov a hacer algunas otras revisiones, tales como Borís Godunov, y reemplazó con producciones más fieles los manuscritos originales de Músorgski aún a riesgo de no ser condescendiente con el público.

Nikolái Rimski-Kórsakov retratado por Ilya Repin

En 1871, a pesar de haber sido autodidacta, se convirtió en profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San Petersburgo. Allí enseñó a muchos compositores que más tarde alcanzarían renombre internacional, como Serguéi Prokófiev o Ígor Stravinski. Escribió un Tratado de orquestación que fue mundialmente utilizado por los estudiantes de composición durante todo el siglo XX, pero que en la actualidad se ha abandonado debido a que los ejemplos de instrumentación están tomados sólo de obras propias (lo cual limita la gama de posibilidades de aprendizaje del alumno). También hizo un Tratado de Armonía. Continuó componiendo prolíficamente, produciendo muchos trabajos orquestales, incluyendo las famosas obras Scheherezade y el Capricho español (1887). También escribió quince óperas, como Kaschéy el inmortal y El cuento del zar Saltán (1903). Posteriormente apareció la afamada obra El vuelo del moscardón, arreglada para distintas agrupaciones de instrumentos. Entre su música litúrgica ortodoxa rusa encontramos la obra a capella, Liturgia de San Juan Crisóstomo y la obra orquestal, La Gran Pascua Rusa.

En 1905 Rimski-Kórsakov fue cesado de su cargo de profesor en San Petersburgo debido a sus opiniones políticas. Esto provocó una serie de dimisiones de sus camaradas miembros de la facultad, y gracias a eso fue reincorporado a su cargo. La controversia política continuó en 1907 con su ópera El gallo de oro (Le Coq d’Or), que era un ataque a la Rusia Imperial y que fue prohibida desde su estreno. Hacia el final de su vida, Rimski-Kórsakov enfermó de una angina de pecho y murió en Lyubensk el 21 de junio de 1908. Fue enterrado en San Petersburgo.

Mondrian

Self-portrait, 1900
Oil on canvas
49 x 38 cm
The Phillips Collection. Washington D.C.

Pollard Willows on the Gein, 1902-04
Oil on canvas
53.5 x 63 cm
Collection Gemeentemuseum Den Haag. The Hague.

Windmill, 1904
Watercolour on paper mounted on canvas board
77 x 53.5 cm
MacKenzie Art Gallery, Saskatchewan

Red Amaryllis with Blue Background, c. 1907
Watercolor on paper
18 3/8 x 13″ (46.5 x 33 cm)
The Museum of Modern Art, New York

Molen (Mill); Mill in Sunlight, 1908
Oil on canvas
114 x 87 cm (44 7/8 x 30 1/4 in)
Haags Gemeentemuseum, The Hague

Avond (Evening); Red Tree, 1908
Oil on canvas
70 x 99 cm (27 1/2 x 39 in)
Haags Gemeentemuseum, The Hag

View from the Dunes with Beach and Piers, Domburg, 1909
Oil and pencil on cardboard
11 1/4 x 15 1/8″ (28.5 x 38.5 cm)
Museum of Modern Art, New York City

Amaryllis, 1910
Watercolor on paper
39 x 49 cm (15 3/8 x 19 3/8 in)
Private collection

Gray Tree, 1911
Oil on canvas
78.5 x 107.5 cm (30 7/8 x 42 3/8 in)
Haags Gemeentemuseum, The Hague

Still Life with Gingerpot I, 1911
Oil on canvas
25 3/4 x 29 1/2 inches
Guggenheim Museum, New York City

Still Life with Gingerpot II, 1912
Oil on canvas
37 1/2 x 47 1/8 inches
Guggenheim Museum, New York City

Trees, c. 1912
Oil on canvas
37 X 27 7/8 in. (94 X 70.8 cm)
Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvania

Alberi in fiore, 1912
Oil on canvas
65 x 75 cm
G. J. Nieuwenhuizen. Seagar. L’Aia. Holland

Composition No. XI, c. 1912
Oil on canvas
Kröller-Müller Museum, Otterlo, Netherlands

Tableau No. 2/Composition No. VII, 1913
Oil on canvas
41 1/8 x 43 3/4 inches
Guggenheim Museum, New York City

Composition XIII, 1913
Oil on canvas
79,5 x 63,5 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Composition in Oval with Color Planes 1, 1914
Oil on canvas
42 3/8 x 31″ (107.6 x 78.8 cm)
Museum of Modern Art, New York City

Tableau no. 2 / Composition no. V. 1914
Oil on canvas
21 5/8 x 33 5/8″ (54.8 x 85.3 cm)
Museum of Modern Art, New York City

Ocean 5, 1915. [Previously published as The Sea, 1914.]
Charcoal and gouache on paper, mounted on panel, paper
87.6 x 120.3 cm; panel 90.2 x 123 x 1.3 cm
Guggenheim Museum, New York City

Composition, 1916
Oil on canvas with wood strip nailed to the bottom
46 7/8 x 29 5/8 inches
Guggenheim Museum, New York City

Composition with Color Planes and Gray Lines 1, 1918
Oil on canvas
49 x 60.5 cm (19 1/4 x 23 7/8 in)
Private collection

Composition with Gray and Light Brown, 1918
Oil on canvas
31 9/16 x 19 5/8 in. (80.2 x 49.9 cm)
Museum of Fine Arts, Houston, Texas

Composition with grid 5: lozenge, composition with colours, 1919
Oil on canvas
Kröller-Müller Museum, Otterlo, Netherlands

Composition with Grid 7, 1919
Oil on canvas
49 x 49 cm
Kunstmuseum Basel, Switzerland

Composition A: Composition with Black, Red, Gray, Yellow, and Blue, 1920
Oil on canvas
91.5 x 92 cm (36 x 36 1/4 in)
Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Rome

Composition with Red, Blue and Yellow-Green, 1920
Oil on canvas
Wilhelm-Hack-Museum. Ludwigshafen/Rehin

Lozenge Composition with Yellow, Black, Blue, Red, and Gray, 1921
Oil on canvas
60.1 x 60.1 cm (23 5/8 x 23 5/8 in)
Vertical axis 84.5 cm (33 1/4 in)
The Art Institute of Chicago

Composition with Red, Blue, Black, Yellow, and Gray, 1921
Oil on canvas
29 7/8 x 20 5/8″ (76 x 52.4 cm)
Museum of Modern Art, New York City

Composition with Large Blue Plane, Red, Black, Yellow, and Gray, 1921
Oil on canvas
60.5 x 50 cm (23 3/4 x 19 5/8 in)
Dallas Museum of Art

Composition with Blue, Yellow, Black, and Red, 1922
Oil on canvas
53 x 54 cm (20 7/8 x 21 1/4 in)
Staatsgalerie, Stuttgart

Tableau 2, with Yellow, Black, Blue, Red, and Gray, 1922
Oil on canvas
21 7/8 x 21 1/8 inches
Guggenheim Museum, New York City

Composition with Blue, Black, Yellow, and Red, 1922
Oil on canvas
39 cm x 34.7 cm
Harvard University Art Museums, Massachusetts

Lozenge Composition with Red, Black, Blue, and Yellow, 1925
Oil on canvas
77 x 77 cm (30 3/8 x 30 3/8 in.)
vertical axis 108 cm (42 1/2 in.)
Private collection

Fox Trot; Lozenge Composition with Three Black Lines, 1929
Oil on canvas
78.2 x 78.2 cm (30 3/4 x 30 3/4 in)
Vertical axis 110 cm (43 1/4 in)
Yale University Art Gallery

Composition nº III/Fox-trot B, with Black, Red, Blue, and Yellow, 1929
Oil on canvas
17 7/8 x 17 7/8 in. (45.4 x 45.4 cm)
Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut

Composition with Blue and Yellow, 1929
OIl on canvas
52 x 52 cm
Museum Boymans, Rotterdam. Holland

Composition with Yellow, 1930
Oil on canvas
46 x 46.5 cm (18 1/8 x 18 1/4 in)
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Duesseldorf

Composition with Double Line and Yellow, 1932
Oil on canvas
45.30 x 45.30 cm
National Galleries of Scotland, Edinburgh

Composition with Blue and Yellow (Composition Bleu-Jaune), 1935
Oil on canvas.
28 3/4 x 27 1/4 in. (73.0 x 69.6 cm.)
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.

Rhythm of Black Lines, c. 1935/42
Oil on canvas
72.2 x 69.5 cm
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

Composition blanc, rouge et jaune,1936
Oil on canvas
80 x 62.2 cm (31 1/2 x 24 1/2 in)
Los Angeles County Museum of Art

Vertical Composition with Blue and White, 1936
Oil on canvas
121.3 x 59 cm
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

Composition No. 12 with Blue, 1936-1942
oil on canvas
62 x 60.3 cm
National Gallery of Canada, Ottawa

Composition with Yellow, Blue and Red, 1937-42
Oil on canvas
72.5 x 69 cm (28 1/2 x 27 1/8 in.)
Tate Gallery, London

Composition No. 8, 1939-42
Oil on canvas
75 x 68 cm (29 1/2 x 26 3/4 in)
Kimbell Art Museum, Fort Worth

Composition No. 10, 1939-1942
Oil on canvas
31 1/2 x 28 3/4 in. (80 x 73 cm)
Private collection

Trafalgar Square. 1939–43
Oil on canvas
57 1/4 x 47 1/4″ (145.2 x 120 cm)
The Museum of Modern Art, New York City

New York City, 3 (unfinished), 1941
Oil on canvas
117 x 110 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

New York City, 1941-42
Oil on canvas
119 x 114 cm (46 7/8 x 44 7/8 in)
Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris

Broadway Boogie Woogie, 1942-1943
Oil on canvas
50 x 50 in. (127 x 127 cm)
The Museum of Modern Art, New York

………………………………………………………………………………………….

1975, la Transi

Suárez jura como presidente de gobierno

 

Felipe González y Alfonso Guerra

 

 

Adolfo Suárez con Torcuato Fernández Miranda y el general Manuel Gutiérrez Mellado

 

 

Adolfo Suárez y Felipe González

 

 

El cardenal Tarancón

 

 

Elecciones 1977

 

Logotipo UCD

 

 

 

 

 

 

Elecciones 1979

 

Elecciones 1982

1868, la Gloriosa

El verano de 1867 fue agobiante para la clase dirigente del país. Una gran crisis en las finanzas, a la que sucedió una crisis de subsistencias, precipitó la Revolución de 1868, de la que la primera víctima fue la reina Isabel II, que se negó a hacer concesiones a la izquierda. El general Prim mantuvo el orden político y ofreció a Amadeo de Saboya el trono de España. El asesinato de Prim, el fracaso de la coalición gobernante, la incipiente guerra en Cuba y el creciente republicanismo, provocaron la abdicación de Amadeo de Saboya en los primeros días de febrero de 1873. La I República llegaba a una España exhausta. Los carlistas y las insurrecciones federalistas de Cartagena, Alcoi y Málaga acabarían en unos meses con ella. Un nuevo general, Pavía, proclamará la Restauración de la mano de Alfonso XII (16 años) en diciembre de 1874.

 

El almirante Topete

 

 

 

Batalla del Puente de Alcolea

 

 

El gobierno provisional (en el centro el general Serrano entre Prim y Topete. Detrás de Prim: sentado, Ruiz Zorrilla y de pie, Sagasta)

 

 

Caricatura de la época sobre la búsqueda de un rey 

(una señora representa a Isabel II, con un niño, el futuro Alfonso XII. También lee el anuncio un carlista, con la boina roja)

 

 

 Reconstrucción de la época sobre el atentado de Prim

 

  Don Amadeo visita la capilla ardiente de Prim

 

 

 Amadeo de Saboya

 

 

Estanislao Figueras

 

 

Francisco Pi i Margall

 

 

Nicolás Salmerón

 

 

  Bombardeo de Cartagena durante el Cantón

 

 

 Fin del Cantón de Cartagena

 

 

 Emilio Castelar

 

 

  Pavía entra en las Cortes (reconstrucción)

 

El general Serrano

  

1936, España en guerra

El soldado caído, de Robert Capa, foto tomada en sept. de 1936 en Cerro Muriano (Córdoba)

 

 

El Presidente de la República, Manuel Azaña

 

 

 

El President de la Generalitat, Lluis Companys

 

 

 

Alejandro Lerroux (Partido Radical) en un mitin en Las Ventas (Madrid)

 

 

 

 Dolores Ibarruri, “La Pasionaria”, dirigente del PCE

 

 

Asesinato de Calvo Sotelo 

 

 

 

El general Mola

 

 

 

Asalto al Cuartel de la Montaña (Madrid)

 

Abajo, anuncio de periódico para el alistamiento en una columna de la CNT

 

 

 

Durruti, dirigente anarquista, en el frente de Aragón

 

 

 

Anticlericalismo (profanación de objetos litúrgicos)

 

 

 

Julio 1936

 

 

 

 

Noviembre 1936

 

 

 

 

Octubre 1937

 

 

 

Julio 1938

 

 

 

 

Febrero 1939

 

 

 

 

Franco y Mola

 

 

Jose Antonio Primo de Rivera, fundador de Falange

 

 

 

 

La batalla de Alcolea

Francisco de Goya, La familia de Carlos IV (1800)

Hace 200 años, un 6 de junio de 1808, el capitán de fragata Baste, oficial del cuerpo de Infantería de Marina del Ejército Imperial de Napoleón, se hacía visera en los ojos con la mano. El sol del amanecer de un 7 de junio de 1808 dibujaba las sombras de 60 soldados españoles, mal armados y peor equipados, agazapados en una trinchera improvisada que protegía la entrada al Puente de Alcolea. El capitán Baste arreó su caballo, dio media vuelta y levantó una columna de polvo en una inmensa llanura a orillas del Guadalquivir. Minutos después, llovía fuego de artillería sobre la pequeña aldea de Alcolea. La ciudad de Córdoba se asomaba al precipicio de los días más trágicos de su historia contemporánea: una batalla perdida, un saqueo y muchos muertos. La primera batalla a campo abierto entre soldados españoles y franceses durante la Guerra de la Independencia no dejó restos en el camino a Córdoba, en la ruta que precipitadamente tuvieron que tomar los más de 20.000 voluntarios -la mayoría paisanos con una nula formación militar- cuando los cañones franceses segaban vidas y cuando el horror en forma de sablazos, bayonetazos y arcabuzazos provocaban la huida de un ejército que unas horas antes daba vivas a Fernando VII y mueras a Napoleón. Anochecía el 6 de junio de 1808 cuando Córdoba se preparaba para su particular y también sangriento 2 de mayo.

Las huellas de aquellos trágicos días en Córdoba se han disipado. Los testimonios no abundan, tampoco los escritos, salvo un monográfico editado en 1924 por Miguel Ángel Ortí Belmonte, archivero del Ayuntamiento de Córdoba, que durante años estuvo recopilando documentos y testimonios sobre lo ocurrido en Córdoba en aquel terrible mes de junio de 1808. En aquella fecha, la ciudad apenas acogía a 40.000 habitantes en un casco urbano que no superaba el perímetro de sus murallas (todavía hoy se conservan algunos lienzos). 40.000 personas que conocían por rudimentarios correos a caballo los sucesos del 2 de mayo en Madrid, que recibían órdenes de acoger con la mejor hospitalidad del mundo a un ejército francés que dormiría en Córdoba en son de paz y que se preguntaba qué estaba pasando con sus reyes, que abdicaban, renunciaban a su corona. El 26 de mayo de 1808 se desató el odio al francés. Ese día, a las 13:00, un oficial español llegó a caballo a Córdoba dando vivas a Fernando VII. El militar traía un mensaje de Sevilla y solicitaba a Córdoba que se uniese a la sublevación contra Francia. Mientras tanto, una columna de 10.000 franceses al mando del general Dupont marchaba hacia Andalucía para pacificar la región. El Corregidor de la ciudad, desde el balcón del Ayuntamiento, solicitó los pareceres de la ciudad. Unos -los más moderados- expusieron que Córdoba carecía de defensas y de ejército, y que era mejor huir a Sevilla para organizar una resistencia más contundente. Los más exaltados optaron por organizar un ejército para resistir en Córdoba al enemigo francés. Ganaron. Esa misma noche, se publicó un bando llamando a filas a todos los cordobeses de 15 a 18 años y se encargó a Pedro de Echávarri, general de vanguardia de Andalucía, la organización de este improvisado cuerpo militar. La llamada a las armas -la mayoría clamada desde los altares de las iglesias- corrió como la pólvora por la provincia. En un par de días llegaron a Córdoba 1.500 hombres de Montoro, 191 jinetes de La Carlota, 500 voluntarios de Cabra, un batallón de 800 hombres de Écija, 5.000 milicianos reclutados en los alrededores de Lucena, militares profesionales de Ronda y un batallón de suizos desertores de la columna de Dupont. Muchos soldados, mucho valor, muchos vivas a Fernando VII y poca formación militar y menos armas para enfrentarse a la máquina de matar de Francia. Hacía un par de años que Dupont y sus veteranos habían vencido a un ejército profesional de prusianos que los triplicaba en número. Sevilla mandó cuatro cañones, un obús y 3.000 fusiles para 20.000 soldados españoles. Nada de sables ni de bayonetas. Se sustituyeron por navajas, cuchillos de monte y largas garrochas con una punta afilada. Córdoba se había convertido en una auténtica plaza militar donde el redoble de tambores y el sonido de cornetines despertaba el ardor guerrero de los voluntarios. En la tarde del 5 de junio, este ejército improvisado se puso en marcha de forma más o menos formal. A su vez, la columna de Dupont dejaba Andújar y alcanzaba El Carpio. El 6 de junio, los arrojados cordobeses tomaban posiciones en Alcolea. Apenas había amanecido el día 7 cuando llegaron los franceses. Siete horas después, los 20.000 milicianos cordobeses se batían en retirada. Los franceses los perseguían mientras pasaban a cuchillo a un centenar de vecinos de Alcolea que se aferraban a sus pequeñas propiedades. Las murallas de Córdoba se cerraban. La soldadesca huía a Sierra Morena con estrépito. La ciudad se quedaba indefensa.  

Trafalgar

Manuel Godoy, pintado por Goya

 

Los fusilamientos de la Moncloa, el 3 de Mayo de 1808 (cuadro de Goya)

 

La batalla de Bailén (cuadro de un pintor del s.XIX, Casado del Alisal)

 

El sitio de Zaragoza

La aprobación de la Constitución de 1812 

 

El Empecinado

 

El duque de Wellington

 

 

Pepe Espaliú

Pepe Espaliú (Córdoba, 1965-2001) es un artista que destacó en los ochenta por trabajar acerca de la identidad. Este autor se dedicó principalmente a la escultura, campo que dominaba sin duda alguna, aunque también realizó alguna obra pictórica. Las obras de Espaliú se pueden considerar sobrias y muy frías, y la verdad es que es una buena forma para hablar de las identidades, exponiendo la mayoría de las veces en galerías completamente blancas donde sus esculturas son centro de todas las miradas, cuidando al máximo el entorno que las rodea. 

 

Normalmente sus obras se componen de instalaciones formadas de esculturas objetuales o por medio de formas de bronce o madera que recuerdan a algún objeto cotidiano. Con ellas,  habla de los sentimientos humanos, como el miedo; de las acciones más oscuras, como puede ser el suicidio, caso de una instalación realizada con sogas de tela blanca (Four Provisional Suicides). Pero también de las acciones humanas más tiernas, como el embarazo y la maternidad (Maternidad), mostrando por medio de un insignificante alambre negro el lazo de unión de una madre y un hijo.

 

Maternidad.

Espaliú representa por medio de lo artificial (el alambre o el bronce) formas que recuerdan tanto a la naturaleza (ramas, piedras), que llegan hasta confundir y dar una sensación de naturaleza. Lo más curioso es que representa estas formas naturales dentro de lo artificial, es decir, no lo hace en un espacio natural, ni en un espacio público, si no en una gran galería blanca, puede que ahí resida verdaderamente la magia de Espaliú, en ese contraste entre lo artificial echo natural pero al mismo tiempo en un espacio creado por el hombre, y también en los contrastes que emplea de obras totalmente negras y situadas en sitios completamente inmaculados.    

Wassily Kandinsky

 ”La pintura es un arte, y el arte en total no es una creación inútil de objetos que se deshacen en el vacío, sino una fuerza útil que sirve al desarrollo y a la sensibilización del alma humana. El arte es el lenguaje que habla al alma de cosas que son para ella el pan cotidiano, que sólo puede recibir de esta forma”.

              

 

Wassily Kandinsky, Murnau Street with Women, 1908. Oil on cardboard, 71 x 97 cm. Private collection.

Wassily Kandinsky (Moscú, 1866-Neuilly-sur-Seine, 1944) ocupa un lugar privilegiado en la historia del arte contemporáneo, como promotor e impulsor del primer movimiento del arte abstracto. `De lo espiritual en el arte´, la más traducida de sus obras teóricas, es un libro imprescindible para la comprensión de la estética del siglo XX. Compaginó estudios de Derecho y Economía en la Universidad de Moscú con el dibujo y la pintura. Al cumplir los 30 años abandonó su carrera como docente para ir a estudiar pintura a Munich. Asistió a las clases de F. Stuck y allí conoció a Paul Klee, con quien mantuvo una gran amistad. También realizó viajes por Rusia, Francia, Holanda, Italia o Túnez, entrando en contacto con el Postimpresionismo, el Jugendstil (modernismo) alemán, el fauvismo y el cubismo. La influencia del color fauve se percibe en la serie de paisajes alpinos que pinta en Murnau (1908-1909). Es aquí cuando se da cuenta que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria y que la belleza de sus obras reside en la riqueza cromática y en la simplificación formal. Casas de Murnau, Calle de Murnau y La montaña azul son pinturas realizadas a base de grandes manchas de color intenso, en las que los elementos naturalistas van desapareciendo progresivamente. Este descubrimiento le conduce a una experimentación continuada que culmina con la conquista de la abstracción en una acuarela de 1910. En Composición IV de 1910, las figuras están tan simplificadas, el color es tan arbitrario y el espacio tan confuso, que es imposible distinguir el tema sin la referencia de los cuadros anteriores de la serie.

Kandinsky había fundado la Asociación de Artistas de Munich (NKVM), al mismo tiempo que empezaba a maquinar el entramado ideológico que desembocará en la abstracción. El despojamiento progresivo de la representación no será bien aceptado en la NKVM, por lo que Kandinsky y Franz Marc se retiran de la asociación y sientan las bases del grupo Der Blaue Reiter. Organizan diversas exposiciones en Berlín y Munich y Kandinsky escribe De lo espiritual en el arte y el Almanaque de Der Blaue Reiter. En De lo espiritual en el arte habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. Dice que el arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y establece las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color. Pinta numerosas obras que él mismo agrupará en tres categorías diferentes: impresiones, improvisaciones y composiciones. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos, aunque todavía se advierte en ellos un poco la presencia de la realidad. Los últimos restos del mundo real no desaparecerán de su obra hasta después de 1920.

 Impresiones

Sus impresiones, inspiradas en la naturaleza, son una mirada atrás, hacia la realidad exterior. Los subtítulos que llevan (Fuente, Parque, Concierto, etc.) son la clave para interpretarlas. En Impresión VI (Domingo) las formas y los colores tienden a desvincularse de la realidad visual, aunque todavía no se han separado totalmente del objeto.

Improvisaciones

Las improvisaciones suponen la expresión de emociones interiores. Son expresiones espontáneas de carácter espiritual, que exigen que no reproduzcan nada material. Anuncian la ruptura definitiva con las formas. Son el antecedente directo del expresionismo abstracto o pintura informal que se desarrolló en todo el mundo a partir de 1945. En Improvisación soñada (1913), sin un orden aparente ni un soporte estructural, Kandinsky concibe la realidad con imágenes parciales y débiles y no con forma de objetos definidos.

Composiciones

Finalmente, sus composiciones, aúnan lo intuitivo con el rigor compositivo. Son construcciones enormemente calculadas, sobre la base de apuntes previos, cuyas líneas y colores habían sido trazados instintivamente. Composición VII, la tela más famosa y más grande pintada por Kandinsky es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. Sus cuadros geométricos tienen la finalidad de establecer un idioma simbólico entre formas y colores que proyecten su interés en lo trascendental. Si contemplamos el conjunto de su obra, podemos darnos cuenta de que al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910, al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910-1921 y al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a1921. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky vuelve a Moscú y ocupa importantes cargos en la administración artística y cultural. Su labor se tradujo en la creación de museos por toda Rusia y en programas de enseñanza artística. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, su segunda y definitiva esposa, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania. A los pocos meses aceptó la invitación de Walter Gropius para incorporarse a la Bauhaus o escuela de diseño de Weimar. Dirigió el taller de Pintura Decorativa y el curso de iniciación. De sus experiencias como profesor surgió su segundo tratado importante “Punto y línea en el plano” (1925). Durante estos años su obra se disciplina, al color se añade la geometría y la interacción de la forma, y su pintura se aprovechará de las múltiples tendencias que coinciden en distintos momentos en la Bauhaus. Su obra experimenta una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha denominado el periodo arquitectual de su pintura, al que le siguió otro en que indaga con los trazos circulares y concéntricos. Círculos (1926). En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, Kandinsky se instala en Neully, cerca de París. Es la última etapa de su vida, en la que continúa con la búsqueda de formas inventadas, que plasma por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos eslavos. Se aleja de la geometría de la Bauhaus y opta por formas orgánicas y biomórficas. En Círculo y cuadrado (1943) vemos un estilo más elegante y complejo.